SEMANA #2

     Durante la primera clase aclaramos algunas dudas sobre la primera actividad de Blackboard, dado que el Syllabus indica una fecha mientras que Blackboard otra. Sin embargo, el profesor nos aclaró que debemos seguir las fechas del Syllabus, de modo que la fecha de entrega final será el 12 de Septiembre. Por otro lado, utilizamos el resto de la clase para las presentaciones restantes de la clase pasada (animaciones que nos atraen).  

    Durante la segunda clase platicamos sobre las muchas maneras de realizar una animación, por ello, si bien la actividad de Blackboard sugiere algunos programas, nosotros podemos analizar otras opciones siempre y cuando el resultado final posea la calidad esperada. Sin más preámbulo, iniciamos la clase con un poco de historia sobre los antecedentes de la animación. Como primer punto, repasamos los conceptos de cuadros o frames en inglés apoyándonos en la famosa resolución HD; se nos explicó que como mínimo, la resolución de un producto HD debería contemplar 60 cuadros por segundo. De igual manera, la clase coincidió que, a mayor número de movimientos, más fluida será la animación. Sin embargo, estos movimiento debían ser previamente estudiados para conseguir mejores resultados. Esto me hizo recordar un detrás de escena de “El cuenta de la princesa Kaguya” en el cual explicaban cómo estudiaron todos los movimientos necesarios para cortar una fruta, ya que el director deseaba que se apegara a la realidad.

    Los antecedentes de la animación se remontan desde el S. XVIII con el arte de la Fantasmagoría (arte de hablar en público con fantasmas), esto consistía en actos de “invocación” a fantasmas llevados a cabo en público; estos espectáculos se basaban en ilusiones ópticas, uso de linternas, humo y las famosas linternas mágicas. Se puede decir que este fue el primer intento de animación, su diseño se basaba en el concepto de la cámara obscura, en la cual se colocaba una imagen que era proyectada por la luz de las lámparas de aceite, incrementando su tamaño. De igual manera, el profesor nos hizo notar que aún en ese entonces, se empleaba el concepto de capas para las proyecciones. 

    Posterior a la linterna mágica, el praxinoscopio (inventado por Émile Reynaud 1892) entró al juego. Su diseño se basaba en el uso de espejos paralelos a un carrusel de imágenes que giraba.  Esta acción producía la sensación de movimiento. Si bien tuvo éxito entre el público, rápidamente fue desplazado por la cámara y su alcance masivo. El praxiniscopio entregaba entretenimiento en la privacidad de los hogares, mientras que la cámara ofrecía un entretenimiento más público fuera de los hogares.

    Ya en el S. XX (1906) los intentos de animación se apoyaron de la cámara. Un ejemplo de esto fue el director y productor James Stuart Blackton, quien grabó trazos de tiza simulando el movimiento y utilizando las herramientas de la época. Una peculiaridad de este trabajo era su falta de secuencia en cuanto a la historia, ya que se basaba más en un compendio de imágenes más que en una historia. 

    En 1908, el dibujante y animador francés Émile Cohl, creó un cortometraje mudo llamado “Fantasmagorie”. Esta animación, a diferencia de James Stuart Blackton, sí seguía una línea lógica de sucesos; se podía reconocer cierta narrativa.

    Avanzando un poco más, en 1914, encontramos al predecesor de Walt Disney con el historietista estadounidense Winsor McCay. El proyecto que se destacó en clases fue “Gertie the Dinosaur”. Se aproxima que realizó miles de dibujos para lograr la secuencia deseada y, es con este proyecto de Macay que nace el concepto de key frame (cuadro guía del cual se basan para realizar repeticiones de movimiento). En esta animación podemos observar muchas repeticiones antes de introducir un nuevo movimiento. 

    Durante 1919 Estados Unidos estaba repleto de compañías de animación bien establecidad y funcionales. Si bien los largometrajes no se habían desarrollado del todo, se podía encontrar uno que otro. Sin embargo, este año se caracterizó por El Gato Felix; un personaje animado del cine mudo que aportó un avance al incluir el uso de la perspectiva en algunos de sus dibujos. 

    Finalmente, durante los años 20´s se dió la llegada de Walt Disney, la cual generó un punto de inflexión en el mundo de la animación. Entre otras cosas, Walt Disney y su equipo generaro movimiento en más de un plano, así como un uso más detallado de la perspectiva, los primeros intentos de lip sync, la creación de una banda sonora propia del corto y el uso de parallax (plano repetido en el fondo que genera la sensación de movimiento.